Intervista alla teorica e curatrice Susana Milevska: Il dibattito sull'arte partecipativa non è finito

Foto: Natasha Geleva

Nell'ambito della nona edizione del KRIK - festival per la cultura critica, è stata promossa a Skopje l'edizione macedone del libro "Arte partecipativa: svolta paradigmatica dagli oggetti ai soggetti" di Suzana Milevska.

L'editore "Contrapunkt" ha pubblicato e promosso il libro "Arte partecipativa: una svolta paradigmatica dagli oggetti ai soggetti" in macedone e in inglese, un'opera capitale che racchiude il pensiero teorico di Susana Milevska, una delle nostre teoriche più significative dell'arte visiva e cultura. La teorica e curatrice Milevska ritorna dopo diversi anni nel contesto culturale macedone con 15 saggi pubblicati in un libro di 520 pagine.

Considerando la portata del lavoro, che significato ha per te personalmente la pubblicazione del libro?

- Risponderò onestamente e senza divagazioni: per me il significato di questi due libri è enorme, anche più grande di quanto tu possa immaginare. Questa risposta potrebbe sorprendere i lettori considerando il fatto che pubblico costantemente in pubblicazioni accademiche e artistiche esterne al nostro contesto culturale-artistico, ma mi riferisco soprattutto all'edizione che riuniva i saggi tradotti in lingua macedone.

Infatti l'ultimo testo che ho scritto e pubblicato in macedone è stato l'articolo "La quintessenza della stupidità", pubblicato nel 2012 (è stato uno dei contributi critici al sondaggio sul portale "Okno" per "Skopje 2014" progetto). Quel testo è stato seguito dalla mia lunga assenza dalla scena discorsiva macedone, che non è stata solo il risultato del mio impegno fuori dal paese. L'assenza è dovuta principalmente allo scarso interesse e al mancato rispetto degli standard di lavoro e di cooperazione da parte delle istituzioni artistiche ed educative locali e delle organizzazioni indipendenti. Così, le mie riflessioni critiche e teoriche iniziarono gradualmente a scomparire dalle pubblicazioni macedoni.

Un ulteriore motivo è stata la riluttanza di alcuni colleghi a rispondere con dignità alle mie argomentazioni critiche e alle indicazioni sulle contraddizioni essenziali tra rivendicazioni artistiche e curatoriali e le relazioni sociali esistenti. Ho cominciato così a dedicarmi sempre di più a conferenze, progetti e testi in ambito internazionale. L'idea di tradurre i saggi - un progetto nato da "Kontrapunkt" e Iskra Geshoska - significa molto per me perché con essa le mie riflessioni teoriche sulla creazione, gli obiettivi e i risultati dell'arte partecipativa sono finalmente diventate accessibili ai lettori che non lo fanno conoscere la lingua inglese (o le altre lingue in cui i saggi sono stati tradotti prima delle traduzioni macedoni).

Dico "progetto" perché la selezione dei testi e delle riproduzioni, la garanzia dei diritti d'autore degli artisti e la comunicazione delle fonti delle pubblicazioni, le traduzioni, le correzioni, l'elaborazione di note e riferimenti, la stampa e persino le promozioni andavano oltre la consueta preparazione di un libro, e non solo da parte mia, ma anche da parte di Iskra Gešoska - redattrice dell'edizione "Punctum" presso la casa editrice "Kontrapunkt", di Ana Dimishkovska, traduttrice ed editrice del libro in lingua macedone, redattrice linguistica Dejan Vasilevski e anche del team di stampa Koma.

Foto: Natasha Geleva

L’importanza del libro che ha riunito i testi originali scritti in inglese è diversa: offre ai lettori stranieri uno spaccato del mio monitoraggio a lungo termine dello sviluppo dell’arte partecipativa nella regione dell’Europa centrale e sudorientale. Alcuni di questi testi sono stati inseriti nell'unità Arte Partecipativa di "Wikipedia" ancor prima di essere tradotti nella lingua macedone, e alcuni sono inclusi anche nei programmi di studio di varie università negli Stati Uniti, Canada, Austria e Inghilterra. Il significato e i risultati di questo progetto su molti livelli hanno superato la portata dell'impegno e rappresentano anche la mia restituzione del "dono" alla comunità da cui sono nate molte di queste idee.

Il libro contiene una selezione di 15 saggi scritti in un periodo di oltre 15 anni. Su quale linea teorica è stata fatta la selezione dei saggi contenuti nel libro?

– Questa è una domanda molto rilevante. L'invito originale non conteneva linee guida metodologiche sull'argomento e sul formato del libro, e non ho mai voluto pubblicare una raccolta nel senso di "il meglio di...". La decisione di individuare tra diverse centinaia di saggi pubblicati proprio quelli relativi all’arte partecipativa è legata a diversi dibattiti attuali all’interno della teoria dell’arte. Sembrava necessario che il libro si concentrasse sulle potenzialità dell’arte partecipativa per avviare e introdurre trasformazioni sistemiche e strutturali essenziali in quadri sociali più ampi – e non solo nell’arte e nelle sue istituzioni. Anche nei primi testi ho ricordato gli obiettivi e le promesse principali dell’arte partecipativa: decostruire le gerarchie strutturali e sistemiche esistenti e sottolineare la chiusura elitaria delle istituzioni d’arte contemporanea. Ho anche discusso degli ostacoli che l'arte deve affrontare nel raggiungere questi obiettivi e ho cercato di rivelare le ragioni di tali difficoltà nel post-socialismo, nel consumismo e nel neoliberismo - e con l'aiuto della teoria degli atti linguistici di J. l. Austin.

Anche se ho pubblicato il primo saggio su questo argomento nel 2006, il dibattito sull’arte partecipativa non è ancora finito. Al contrario, sembra che sia ancora più rilevante oggi, il che ha contribuito ad aumentare il sostegno finanziario di progetti artistici che coinvolgono un numero maggiore di partecipanti. I fondi europei vedono i progetti partecipativi come una convergenza tra gli obiettivi dell’arte e gli obiettivi della democrazia partecipativa e deliberativa, che di per sé non è un fenomeno negativo. Sfortunatamente, questo tipo di strumentalizzazione trasforma i partecipanti coinvolti in mascotte e “indicatori” piuttosto che in parti interessate alla pari, il che spesso porta alla spettacolarizzazione e ad una completa contraddizione con gli obiettivi originali dell’arte partecipativa.

La promozione del libro a Skopje è avvenuta in un formato di dialogo tra Suzana Milevska e Artan Sadiku con un'introduzione di Iskra Geshoska / Fotografia: Natasa Geleva

Cosa si intende, secondo la teoria dell'arte e della cultura, con il termine “arte partecipativa”?

- A mio avviso non esiste una definizione unica ed esaustiva. Esistono molti sottotipi di arte partecipativa che differiscono sostanzialmente, sia in termini di obiettivi che di risultati. Tuttavia, quando si cerca di dare qualche spiegazione generale e trovare qualche denominatore comune, possiamo partire dalla promessa principale dell’arte partecipativa, cioè che invece della ricezione passiva del passato, tale arte nel processo di creazione delle opere d’arte le coinvolgerà. come al solito visitatori in modo pianificato e impegnato di eventi artistici, così come membri di comunità trascurate, vulnerabili e non sufficientemente visibili.

Già nel 2006 avevo proposto di distinguere tra due sottospecie di arte partecipativa: quell’arte che coinvolge visitatori e partecipanti occasionali o invitati al processo creativo con un focus su problemi istituzionali-professionali o infrastrutturali, e l’arte che ha obiettivi più fondamentali e di vasta portata obiettivi, perché cerca di risolvere le differenze sociali, le gerarchie e altre ingiustizie etiche nel quadro dell’azione risultante dall’esclusione di membri di comunità diverse secondo la loro appartenenza etnica e religiosa, genere, sessualità, classe o capacità.

Qual è stata la motivazione che ti ha spinto a scrivere i saggi individualmente?

– Dietro la creazione di ogni saggio c’era una storia specifica e interessante. Qui posso solo offrire una panoramica generale delle motivazioni e del modo in cui i saggi sono nati. Ad esempio, sono sempre stato interessato a problemi come la disparità di status economico e politico, così come la discriminazione contro comunità e individui emarginati e maltrattati, come gli emigranti, le prostitute, i rom, i rifugiati, le vittime di violenza e persecuzione politica, le persone con diverso orientamento sessuale e genere non binario, ridenominazione politica e artistica e, naturalmente, l'accessibilità degli spazi e delle istituzioni pubbliche.

Queste domande urgenti sono già presenti nella teoria della cultura visiva, ma anche nell'arte - sia nel contesto locale che in quello internazionale, quindi per i testi sono stato motivato da specifici eventi e problemi storici, da determinate teorie e/o direttamente da la ricerca degli artisti che si occupano di queste problematiche.

Per una comprensione più chiara dei termini, di quale "passaggio paradigmatico da oggetti a soggetti" scrivi nei saggi?

– Il titolo del libro, ripreso da quello del primo saggio, indica infatti il ​​quadro metodologico chiave di questo progetto. Si tratta di tre diversi aspetti del passaggio da oggetti a soggetti. In primo luogo, le arti visive e la storia dell’arte, in quanto discipline accademiche tradizionali, si occupano solitamente della concezione, produzione e presentazione di oggetti d’arte. Anche l’arte concettuale e post-concettuale non è riuscita a evitare completamente gli oggetti. Documentazione, fotografia e altre forme bidimensionali o tridimensionali sono ora esposte in musei e gallerie come materializzazioni dei concetti originali. Ho cercato di seguire la genealogia di uno dei punti di svolta più importanti delle belle arti in cui le relazioni appena create tra soggetti – partecipanti a progetti di arte partecipativa – hanno cominciato a essere viste per la prima volta come parte integrante dell'arte (“il “metodo relazionale” di Burijo estetica"). Pertanto, le relazioni nell’arte partecipativa diventano in qualche modo esse stesse opere d’arte (è importante sottolineare qui che questa discussione non è altrettanto rilevante per le arti performative e altre arti contemporanee).

Il secondo aspetto è la decostruzione del mito modernista del genio artistico. Secondo quel mito modernista, l’artista (di solito un maschio etero bianco) possiede un talento (soprannaturale) per la creazione di opere d’arte ed è posto al vertice della gerarchia – sopra tutti gli altri “semplici mortali” interessati all’arte. Ribaltare questa distinzione gerarchica tra l’artista-genio e gli altri partecipanti è uno degli obiettivi chiave dell’arte partecipativa.

Il terzo aspetto è la messa in discussione del rapporto tra artisti e istituzioni, dal momento che il ruolo delle istituzioni che rappresentano l’arte si è irrigidito. Direttori e curatori hanno istituito un circolo catacrestico chiuso al quale partecipano solo i "difesi": membri dell'élite culturale, amici, parenti e finanziatori. È cinico quando rivendicano progetti partecipativi e usano il pronome della prima persona plurale “noi” pur continuando a escludere “gli altri” e “diversi”.

Promozione del libro in inglese a New York

I testi sono stati scritti in inglese e ora sono stati tradotti in macedone. Che tipo di processo hai seguito con la traduttrice Ana Dimishkovska, soprattutto perché il libro utilizza termini più specifici?

- I limiti della lingua macedone sono apparsi quasi ad ogni passo per quanto riguarda la traduzione del vocabolario professionale e di altre parole usate nelle lingue straniere. Fortunatamente, la traduttrice Ana Dimishkovska è professoressa di filosofia e logica presso l'Istituto di Filosofia dell'Università "St. Cirillo e Metodio", quindi la sua vasta conoscenza dell'inglese e del francese, la terminologia professionale e la vasta esperienza con la traduzione sono state cruciali per risolvere tutti i dilemmi linguistici.

Dopo un'attenta analisi congiunta dei termini problematici, sono state inserite meticolosamente le soluzioni più adeguate e, ove necessario, Dimishkovska ha spiegato i termini selezionati nelle note (per questo l'edizione macedone è più lunga di una cinquantina di pagine). In questo modo le traduzioni integrano contemporaneamente il vocabolario degli esperti nel campo dell'arte contemporanea.

Qui vorrei menzionare il termine principale "arte partecipativa" che è emerso dopo la consultazione con Ana Dimishkovska, traduttrice ed editrice della pubblicazione, e con il redattore linguistico Dejan Vasilevski. Siamo giunti alla conclusione comune che sia il termine più appropriato osservare una semplice regola grammaticale (aggettivi derivati ​​​​da sostantivi che terminano in -tion finiscono in -cisca). Questa decisione mirava anche a evidenziare la differenza che esiste nella lingua inglese tra il termine descrittivo più generale "participatory" (arte partecipativa o un evento in cui ci sono molti partecipanti) e "participatory" (arte partecipativa - arte o altra forma di attività culturale azione che ha il potenziale e l’obiettivo di creare un’opportunità di partecipazione).

La storia dell'arte non ci prepara abbastanza alle complesse relazioni etiche ed estetiche che l'arte instaura con gli attuali problemi sociali / Foto: Natasa Geleva

Teoria e curatela si intrecciano nel tuo lavoro. Come mantieni questa simbiosi? Qual è la funzione della curatela nella cultura e nell’arte contemporanea?

- Dai miei primi testi e successivamente, nei miei progetti indipendenti o progetti curatoriali istituzionali presso il Museo della Città di Skopje e l'Open Graphic Studio, la connessione tra teoria e pratica curatoriale è stata molto importante per me. Ad esempio, nell’ambito dei miei studi di dottorato, ho tenuto il corso sulla Conoscenza Curatoriale. Pertanto, a conclusione del libro, viene pubblicato il saggio “Il ritorno a kalokagatia: la curation come contrappeso negli attuali dialoghi tra estetica ed etica”, che ho pubblicato nel 2021 – sulla rivista “Philosophies”.

In quel saggio ho cercato di collegare le teorie dell'arte e della curatela e le mie personali strategie curatoriali. Poiché sono stata una delle prime curatrici - se non la prima - a usare il termine "curazione" nel nostro Paese per definire la professione, ho avuto la libertà di definire e praticare la professione esattamente così - come una simbiosi tra teoria e pratica. Non tutti i curatori (sia qui che all'estero) sono necessariamente interessati a un monitoraggio più approfondito delle tendenze artistiche, curatoriali e sociali contemporanee e alla scrittura di testi teorici.

La storia dell’arte non prepara sufficientemente alle complesse relazioni etiche ed estetiche che l’arte instaura con le attuali problematiche sociali, per cui per i miei interessi si è rivelato molto più adeguato il nuovo campo di ricerca interdisciplinare denominato “cultura visiva” (nel 2006 difendevo il mio dottorato "Differenze di genere nei Balcani" presso l'allora appena aperto Dipartimento di Cultura Visiva del Goldsmiths College).

Nella cultura visiva, le metodologie della ricerca teorica sull’arte, la curatela, l’etica e l’estetica (come la decostruzione, le teorie postcoloniali, di genere e la critica femminista) si intrecciano reciprocamente ed espongono le contraddizioni e le gerarchie tra questi campi – che nel periodo del modernismo venivano interpretate come isole isolate. Oggi penso che la citazione cult di Walter Benjamin (la critica alla politicizzazione dell’estetica – nel socialismo e all’estetizzazione del politico – nel nazismo) dovrebbe essere riesaminata proprio a causa delle complesse interrelazioni tra politica, etica ed estetica, caratteristiche soprattutto di arte attivista.

È stato quindi interessante che il filosofo politico Artan Sadiku, mio ​​interlocutore durante le due promozioni - quella a New York e l'ultima, al KSP "Centar-Jadro" di Skopje - nelle sue prime reazioni dopo la lettura del libro abbia sottolineato la mia difesa della necessità di ritornare all'antico ideale di "kalokagatia". Utilizzo questo termine più come metafora che nel suo significato originario (unità tra il bello e il buono), come appello a stabilire un rapporto reciproco tra estetica ed etica, non solo nei progetti curatoriali o partecipativi, ma anche nell'arte in generale .

(L'intervista è stata pubblicata su "Kulturen Pechat" numero 231, nell'edizione cartacea del quotidiano "Sloboden Pechat" del 18-19.5.2024)

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